En 1520, en su camino a Tenochtitlan, una columna de conquistadores cae en manos de la resistencia indígena. En El sin ventura Juan de Yuste, el poeta mexicano Alí Calderón (1982) cuenta este episodio desde una poesía investigativa en la que encontramos no sólo invención, apropiación o reescritura sino un vertiginoso entrecruzamiento de voces, puntos de vista y texturas fónicas. Este libro es un arriesgado monstruo verbal, ejemplo de una nueva épica que pretende el desmontaje y remontaje de la historia.
Mijail Lamas
Alí Calderón ha escrito un libro que justifica toda una obra. Este es el libro más arriesgado que he leído en décadas, a la altura de las grandes cumbres de la poesía latinoamericana. Un libro que definitivamente convierte a su autor en el mayor poeta de México de su generación.
El artista no vive como crea, crea como vive, afirma Bachelard. La voz poética que se devela en Aguijón de miel de Gabriela Villa habita un mundo de mieles que hincan, amores a domicilio, estrías de luz y sonrisas detrás de las puertas. Entonces, todo aquello que podría considerarse ordinario, por el milagro del acto poético, sale de su lugar cotidiano y se eleva a lo extraordinario. Estas son rutinas que asombran, dolores que enternecen, una rabia macerada con miel bajo la luna. La autora nos da, como ofrendas, artefactos que susurran (entre paréntesis y con una voz bajita) todo aquello que los seres humanos necesitamos confesar desde la sencillez más pura. Gabriela Villa ha logrado escribir de lo suyo desde lo angosto del verso y en cada uno de estos poemas anida una oda a los vínculos que se tejen y destejen bajo la luna, sobre la cama, durante las tormentas y en la cocina donde hierve el tiempo.
En Memoria del desierto, Mijail Lamas (Culiacán, 1979) ha construido una voz que sabe ir hacia sí misma, en una suerte de traición reflexiva que fractura el tiempo –como si se tratara de rojas y porosas piedras– pero también hacia el tú, hacia el otro. Una voz que se desplaza a tientas por todo aquello que no se ha dicho ni habría de decirse, una que es estruendosa imagen de la memoria del desierto y del silencio, de aquello que no vuelve sino como olvido, voz también de la memoria que es el invento de todos los olvidos. La forma de esta voz es la de la sentencia, una que apunta hacia este contundente uso versal que hace coincidir la cesura con el silencio; su dinámica es la de la polifonía, ostentando un entreverado de otras varias voces que van de lo político a lo sensacionista, del versículo –en tensa respiración prolongada– al resuello del verso breve y verticalmente precipitado sobre el blanco de la página. Aquí voces que van de Shakespeare a The Smiths, de Nikola Tesla a Al Berto, voces que transitan entre Tijuana y Estambul, que saben alzarse y refulgir en silencio y noche. Aquí una voz que es voces que colisionan con esos altos muros invisibles de ese ladrón que es el desierto, aquí una voz donde Mijail Lamas nos enseña que todos esos muros sólo se derrumban con palabras.
Un recuento parcial de los incendios atestigua la evolución y la curiosidad estética de Mijail Lamas. Cruzan el libro la agudeza y la búsqueda del hallazgo en Cuaderno de Tyler Durden así como la meditación lírica de Fundación de la casa. En Contraverano arden las páginas porque este es uno de los grandes libros escritos en su generación en lengua española. En Trevas. Canción del navegante de sí mismo se ensaya un monólogo dramático que es, al propio tiempo, máscara y espejo. En El canto y la piedra hay un salto temático que politiza la forma y se acerca al poema investigativo y de reflexión histórica. Leer a Mijail Lamas es estar en presencia de un autor incansable, dueño de una poesía que indaga y revela.
Alí Calderón
En diez años la poesía de Mijail Lamas ha ido de lo cotidiano y sus infiernos, a constantes diálogos que establece con el rock o la altísima poesía. Sin duda, este libro da cuenta de una búsqueda, de un deseo constante de reinvención; con sus hallazgos. El lector encontrará en estas páginas el testimonio de un poeta que ha fijado en la palabra la mejor manera de lidiar con la incertidumbre de vivir.
Las armas de mi padre es el segundo libro de Gustavo Osorio de Ita (Puebla, 1986). Libro de madurez en el que se revela como un maestro del trabajo constructivo. La sintaxis de inspiración cubista, una sucesión de encabalgamientos abruptos y suaves, desconcertantes cortes de verso y una música obsesiva de apretar los dientes y despostillarlos acompañan la angustia y la desesperación ante la enfermedad y el aminoramiento del padre. Sin embargo, el drama está en otra parte y descubrirlo es uno de los placeres de estos poemas. Con Las armas de mi padre, por su imaginación formal, Osorio de Ita se coloca en la vanguardia de su generación.
Todo los que no quiero pensar / porque me quemaría la conciencia / es lo que ahora escribo, declara Roberto Amézquita y, revestido de palabras calcinantes, como lenguas de fuego, oficia una Misa de Réquiem ante un cadáver que es altar vacío, oquedad y silencio.
Es el cadáver de su padre, sí, pero podría ser el de Adán, nuestro mítico padre común, o el de cada uno de los lectores cuando nuestro nombre ya no nos nombre y lo que quede sea, a manera de túmulo, un montón de piedras sin vida y sin respuesta.
Por eso, no es súplica lo que mana de este libro, sino imprecación escéptica, “contra Kyrie”, en poemas despojados de esperanza como el cuerpo despojado de alma y rostro, lo sagrado vaciado de Dios y la muerte de sus máscaras.
Eppur si mouve, hay un resquicio de luz en la misteriosa certeza de Amézquita de que basta abrir la ventana para hablar con los muertos; una ventana por la que asoma –y nos asoma– este poeta mexicano que, siendo joven y una revelación de la actual poesía latinoamericana, tiene a la vez una voz sabia y madura en lecturas, formas y sentidos.
ORLANDO MONDRAGÓN PREMIO INTERNACIONAL DE POESÍA FUNDACIÓN LOEWE 2021
ORLANDO MONDRAGÓN (Ciudad Altamirano, México, 1993) es poeta y médico cirujano. En 2017 debutó con el libro Epicedio al padre, con el cual obtuvo el IV Premio de Poesía Joven Alejandro Aura. «Cuadernos de patología humana es un diario médico preciso y ordenado en el cual el poeta recorre una a una las distintas salas donde lo esperan la enfermedad y la muerte, y, si no fuera melodramático, diría que en el poema la muerte es hermosa, coloreada de rojo y azul siguiendo el transcurso vital de las arterias y las venas que, condensadas, aparecen en pequeñas prosas poéticas que en este poemario se manejan como una especie de estribillo: coronan o resumen los distintos tramos de la muerte y de la vida, pintándolos de rojo y azul a la manera en la que Rothko, el pintor estadounidense, pintaba sus extraordinarios cuadros».
En Sobre pedazos de vidrio Melinna Guerrero propone un corpus poético fascinante: el poema en prosa, el microcuento, la crónica, la epifanía, el pastiche, el texto flash y la máxima. Nuestra autora camina sobre los restos de esa deconstrucción a veces con tacones y en otras ocasiones descalza. Con esto quiero decir que por un lado es un libro incómodo y doloroso y por el otro un libro osado y de ruptura. De esa ambivalencia, de esa dialéctica, de esa lucha de contrarios, están hechos Melinna Guerrero, la Ciudad de México y este libro.
Estos días sin mañana presenta a un autor puntual al tema de la despedida y la remembranza, los versos de estos poemas más que acumulativos son reiterativos, la poética de Álvaro Solís es la de una música estructurada por el registro vocálico que mantiene en el lector imágenes e intuiciones centrales de la vida. Este libro es un hilo argumental que se teje con la fuerza de una larga pregunta difícil de contestar que el escritor sabe concretar con cautela y serenidad.
«Eduardo Lizalde representa un caso raro en la poesía mexicana, al menos, por dos razones: una, que su reconocimiento como poeta sólo se dio pasados los cuarenta años con la publicación de El tigre en la casa, y que, por la vertiente primordial de su país, ha sido y es el más brillante, por no decir el real y único, heredero de la poesía maldita, sobre todo del linaje francés: de Rutebeuf y Villon, de Baudelaire y Rimbaud, de Lautréamont y Artaud. De todos, sin duda, su influencia múltiple su verdadero dios, ha sido, como lo fue para Arthur Rimbaud o para Émile Nelligan, Charles Baudelaire.»
Marco Antonio Campos
«No hay muchos poetas como Lizalde, no sólo en México, sino en toda la lengua castellana»
Eros batalla contra una parte del tiempo. Desde luego, no porque ignore que sólo puede hacerse patente en el cuerpo deseado a través de instantes que se multiplican con sucesión impotente para los mortales, sino porque el tiempo también tiene la tarea de borrar el encuentro amoroso como cualquier otro encuentro con cualquiera de las cosas de los dioses y de los hombres o, cuando menos, dejarlos siempre atrás. Pero Eros además batalla encarnado dentro de lo que él mismo seduce para hacerse con más fuego en el arrebato de la seducción que provoca, como lo observamos en el verso: “las lenguas que luchan en un beso que florece”. Y más todavía, es por causa de Eros que combaten los hombres por una misma amada fingiendo una locura que en realidad ha alcanzado ya su deseada posesión, pues los amantes, remitiendo a Tibulo, desertan de la guerra por su patria para luchar una batalla de verdaderos valientes, esto es, la batalla por conquistar a la muchacha querida.
La guerra es el padre de todas las cosas, como dijo Heráclito, y por su palabra el logos por vez primera se autorevela, es decir, por vez primera el ser se presenta en la inmanencia. De Eros descendemos porque él es la deidad que primero toma y cede las armas. Amamos para la eternidad desde la finitud, y Eros lo sabe muy bien. Por eso siempre está ahí acompañándonos, indiferente a la Razón, el Decoro o la Vergüenza. “Por medio del arte ha de ser gobernado Amor”, nos los enseñó primero Ovidio. Ahora, continuando con el canto de esa batalla nos los sigue recordando, por fortuna, la poesía de Rubén Márquez Máximo.
